Trece discos favoritos: una revisión por Alan Wilder (Parte 2/2)

7. Radiohead: OK Computer (1997)

‘OK Computer’ fue un gran paso adelante para una banda que había estado solamente prometiendo llegar a ese punto, y mientras esta puede ser una elección común u obvia, es de todos modos un álbum brillante. Radiohead son “el grupo de los hombres pensantes”. Ellos no hacen lo obvio deliberadamente, yendo cada vez más profundo de manera gradual, llegando de buen modo al avant-garde y lo experimental. Parte de la progresión tuvo que ver con la ayuda de Nigel Godrich asumiendo las funciones de la producción, él había sido el ingeniero de su grabación anterior, “The Bends”.

El álbum está lleno de obras maestras dramáticas, desde el brillante “Subterranean Homesick Alien” y “Karma Police”, hasta la épica progresión en “Exit Music (For a Film)”.

Aunque la mayor parte de la música está aún dominada por la guitarra, el sonido expansivo del álbum y el amplio rango de influencias lo distinguen de muchas bandas Britpop y alt.rock de su tiempo, y sentaron precedentes para su trabajo posterior, más experimental. Se despojaron de muchos de los elementos obvios de la guitarra de rock, creando algo mucho más sutil y lleno de texturas. Incluso en su punto más aventurado, -como en el complejo y multisegmentado ‘Paranoid Android’, donde la estructura es tan extraña, con muchos cambios y elementos raros que de alguna manera pasan desapercibidos- el efecto aún resulta melódico y muscular. La voz de Thom Yorke va sin esfuerzo de un dulce falsetto al violento gruñido y, contra toda lógica, aún puedes cantarlo al mismo tiempo, te sabes todas las melodías.

El disco se vuelve aún más impresionante cuando lo escuchas de nuevo, revelando ritmos electrónicos extraños, efectos de sonido misteriosas, más firmas de tiempos extraños, y síncopas complejas -mientras los temas del álbum se concentran en el consumismo, la desconexión social, el estancamiento político y el malestar moderno.

Me ha gustado lo que Radiohead ha presentado desde entonces, aunque ha sido difícil para ellos igualar la calidad de ‘OK Computer’, un disco difícil de igualar. Han producido cosas buenas, álbumes inusuales e interesantes que no han tratado demasiado de recrear a éste, con la confianza de saber que mientras apliquen su inteligencia y lógica a la manera en que piensan en la música, ellos llegarán a un buen resultado cada vez. Puede no ser similar a lo que hicieron antes, pero eso está bien.

‘OK Computer’ ha pasado la prueba del tiempo y demostrado ser el trabajo que hizo de Radiohead una de las bandas más inventivas y gratificantes de los noventa.

8. Massive Attack: Collected (1998)

 

Escogí esta compilación porque engloba todo lo que es Massive Attack. Junto con Portishead, ellos tipifican lo que se conoce como “el sonido Bristol”. Trabajando en conjunto co-productores, músicos de estudio favorecidos y vocalistas invitados, el álbum ‘Mezzanine’ ha sido quizá su trabajo más completo y pude haber escogido ése, o quizá ‘Blue Lines’ -ambos son muy buenos- pero sobre todo, lo que yo admiro de ellos es su método general, asegurándose de que todos sus discos contengan ese sonido tan espacioso, esa atmósfera especial que los define. Es muy reconocible y enraizado en su dub y los fondos de hip hop.

Con trabajos primerizos como Safe From Harm y Unfinished Sympathy, el colectivo siempre trató de romper las barreras de lo ‘popular’ aunque no exactamente ‘pop’. Toma a Teardrop por ejemplo, -que podía parecer como una elección obvia ya que es posiblemente su pieza más conocida, aunque hay probablemente una razón para ello- esta canción reúne lo que el grupo hace mejor, crear atmósferas simples de manera instantánea, dentro de un formato accesible, algo entre el pop cool y el hip hop atrevido. Y cuando le añades una de mis voces favoritas de todos los tiempos -la de Elizabeth Fraser de los Cocteau Twins, terminas con una combinación potente. Esa canción en particular fue acompañada por un video memorable dirigido por Walter Stern, de un feto animatrónico cantando.

Creo que el concepto de Massive Attack es uno de los más cercanos a lo que trato de hacer con mi propio proyecto, traer vocalistas invitados y asegurándome de que los paisajes sonoros sean profundos y oscuros.

9. Morrissey: You Are The Quarry (2004)

Steven Morrisey simplemente es uno de nuestros escritores o poetas menos apreciados, quien creo que va a ser reconocido totalmente sólo de manera póstuma. Sus letras han sido descritas como “dramáticas y frías, viñetas humorosas sobre relaciones condenadas, noches solitarias en los clubes, el lastre del pasado y la prisión del hogar”.

Refiriéndose constantemente al estilo de ‘lavadero de cocina’ de realismo social de las series de televisión de finales de los 50 y principios de los 60, Elsie Tanner de Coronation Street, el actor James Dean, la asesina de Moors, Myra Hindley, así como autores como Oscar Wilde y Shelagh Delaney, él se encuentra de modo quintaesencial fascinado por lo inglés.

Morrissey tiene un cierto número de detractores, pero por supuesto tiene mucho más  admiradores. Supongo que es alguien a quien sólo puedes amar u odiar. Ocasionalmente confunde a la gente y eso tiende a distraer de lo que él es mejor haciendo, escribir. No soy alguien que necesariamente se siente atraído hacia sus palabras, pero en este caso, ellas te “abofetean”, con ciertas frases que llaman tu atención de la manera más evocadora y nostálgica.

Dado que estoy tan interesado en el diseño sonoro y la orquestación, esta es quizá la más extraña pieza de la selección. Musicalmente,  los discos de Mozza no son siempre tan inspiradores, aunque “Quarry” es uno de los mejores en ese aspecto. No tienden a expandirse demasiado más allá de un enfoque estándar de rock, o consentir en ninguna técnica de producción inusual. Tendría mucha curiosidad de escuchar cómo sonaría Morrissey dentro de un marco musical mucho más interesante, algo con más profundidad y variedd. Me encantaría escuchar más de él en este sentido, porque creo que llevaría sus discos a otro nivel.

El álbum ha demostrado ser uno de los más populares, vendiendo más de un millón de copias y haciéndolo el más exitoso, solo o con The Smiths.

Selección específica:

Come Back to Camden

There is something I wanted to tell you,

It’s so funny you’ll kill yourself laughing
But then I, I look around,

And I remember that I am alone, Alone. For evermore

The tile yard all along the railings,

Up a discoloured dark brown staircase

Here you’ll find, despair and I,

Calling to you with what’s left of my heart,

My heart,

For evermore

Drinking tea with the taste of the Thames,

Sullenly on a chair on the pavement

Here you’ll find, my thoughts and I,

And here is the very last plea from my heart

My heart. For evermore,

Where taxi drivers never stop talking

Under slate grey Victorian sky,

Here you will find, despair and I

And here I am every last inch of me is yours,

Yours,

For evermore

Your leg came to rest against mine,

Then you lounged with knees up and apart

And me and my heart, we knew,

We just knew,

For evermore

Where taxi drivers never stop talking,

Under slate grey Victorian sky

Here you’ll find, my heart and I,

And still we say come back,

Come back to Camden

And I’ll be good, I’ll be good, I’ll be good, I’ll be good

10. Brian Eno: ‘Taking Tiger Mountain By Strategy’ (1974)

Brian Eno, músico de electrónica y después productor de discos- comenzó su carrera musical con Roxy Music en los 70. Entonces se dedicó a producir un gran número de álbumes eclécticos y cada vez más ambientales de electrónica y álbumes acústicos.

Después de Roxy, colaboró de manera célebre con David Bowie en la influyente trilogía berlinesa de ‘Low’, ‘Heroes’ y ‘Lodger’, – la mayoría grabados en los estudios Hansa, donde de hecho tuve la suerte de haber pasado muchos años grabando en los 80 con Depeche Mode.

Ha colaborado con mucha gente desde entonces, notablemente con David Byrne en ‘My Life in the Bush of Ghosts’, que fue uno de los primeros álbumes en incluir una gran cantidad de sampleo, mucho antes de que el rap o el hip hop aparecieran.

Hay algo muy particular acerca de los dos álbumes que hizo Brian Eno justo después de haber dejado Roxy Music. Se sienten como naturalmente suyos, de algún modo, como si él no hubiera pensado demasiado en eso. Lo hizo muy rápido, en una especie de “en el tiempo” de algún modo, y esos álbumes realmente  reflejaron su carácter más que en cualquier otra música que haya hecho con los años, incluyendo su música ambiental.- Creo que él piensa demasiado en todo eso de lo ambiental, de algún modo. Los primeros álbumes se sienten como si fueran hechos con humor y diversión. Obviamente hay un gran incentivo económico si te piden producir para Coldplay o U2, son cosas difíciles de rechazar si eres productor. Pero creo que ha sido debilitante para él, debería ser simplemente más experimental. (Pero) sí escucho un montón de buenas historias sobre su manera de trabajar y la manera en que provoca que la gente dé lo mejor de sí misma cuando él es el productor.

Hubo un poco de conexión entre él y Depeche Mode- hizo algunos remixes para “I Feel You”, que fueron llamados los Swamp Mixes, y son típicamente Eno. Suenan exactamente como lo que esperas escuchar de él, y me encantaron. Creo que son muy buenos. Estaba esa conexión porque Flood había trabajado con U2, y ellos habían rentado una casa con estudio y vivieron juntos para hacer un álbum. Pensé: “esa es una gran idea, vamos a hacer lo mismo”. Y fue un completo desastre. Vivimos y grabamos juntos, y por supuesto, fue una de las sesiones de grabación menos creativas… de hecho, no fueron creativas. Fue una de las grabaciones más difíciles que tuvimos. Estábamos todos viviendo en esa casa y no estábamos haciendo nada, y aún así, cuando recuerdo y veo lo que producimos en ese largo periodo de diez semanas, grabamos tres de las mejores canciones de Depeche Mode.

 

11. The Beatles – The White Album

Hubiera descubierto esto más tarde que en mi niñez, porque la mayor parte de la carrera de The Beatles sucedió en realidad antes de que estuviera consciente de quiénes eran, así que hubiera regresado y los hubiera descubierto después. Puedes imaginar los días cuando estuvieron grabando The White Album, Abbey Road, Revolver y Sgt. Pepper’s.- me recuerda un poco cuando estuvimos descubriendo los samplers al principio, y ese grado de emoción al usar esa nueva tecnología. Todos teníamos gran entusiasmo sobre innovar con nuestra música y hacer algo que nadie había hecho antes. Tengo la impresión de que en esa época, era lo mismo para The Beatles, ellos estaban haciendo cosas que nadie más se había atrevido a pensar en hacer, y como decía George Martin, ellos tenían una curiosidad eterna, cada uno de ellos en distintas formas. Ellos siempre quisieron hacer algo diferente o no hacer lo obvio. The White Album tiene todo eso.

Me imagino que podrías comparar esto con lo que estaba diciendo sobre Songs of Faith and Devotion, donde estábamos en nuestro peor momento como miembros pero estábamos creando algo de nuestro mejor trabajo. Las historias que escucho sobre ellos -no querían ni siquiera estar en la misma habitación juntos- eran prácticamente lo mismo que nos pasó, cuando una persona estaba en el estudio y otra en una ciudad distinta, y al día siguiente esa persona venía y hacía su trabajo vocal y tú te ibas, porque no podías soportar estar en el mismo lugar. Estoy seguro de que eso estaba pasando con el White Album, y se nota porque ves sus personalidades a un grado mucho más extremo en ese disco. Puedes ver lo que Lennon y Paul McCartney querían hacer con sus canciones, y ves a un George Harrison surgiendo como un gran escritor de canciones, aunque subestimado también.

¿Soy capaz de mirar atrás y ver ese periodo con Depeche Mode de un modo distinto ahora? Bueno, por supuesto el tiempo siempre es un gran sanador, y puedes volver a ver atrás, pero al mismo tiempo recuerdas que era un infierno viviente. Durante la grabación de ese álbum, de verdad tomé la decisión de dejar la banda, incluso si no quería hacerlo hasta dos o tres años después, recuerdo haber pensado “Nunca voy a volver a grabar un disco bajo estas circunstancias, porque no es para nada divertido”. Y la música debería ser divertida, debería haber alguna clase de goce ahí.

 

12. Henryk Górecki – Symphony No. 3

En realidad no sé qué decir sobre este disco. Es solamente una de esas piezas de música muy emotivas que necesitan tener un humor especial para escucharse y disfrutarse, esos momentos de reflexión y silencio. Hay algunos discos que no puedes poner en el carro y este sería uno de ellos. Simplemente no funcionaría. Apenas puedes escuchar los primeros tres minutos de esto, incluso si le subes el volumen a 11, pero se va conformando gradualmente. Es refrescante a veces escuchar música que tiene un ritmo completamente diferente y viene de un mundo diferente. Si estás en el humor adecuado, puede ser algo que te mueve profundamente.

 

 

 

 

13. Pink Floyd – Meddle

Creo que este disco es un indicador de lo que estaban a punto de hacer; no es su trabajo más refinado. Para mí es más interesante que Dark Side of the Moon. Hay mucho debate sobre cuál es la mejor época de Floyd, pero en realidad nunca lo entendí con Syd Barrett. Probablemente yo era demasiado joven, y si hubiera crecido junto con ello hubiera sido de otra manera, pero sólo los descubrí cuando él se había ido. Me interesa mucho la producción del sonido y el diseño, -todas esas cosas son importantes para mí- y creo que cuando Gilmour llegó a Floyd, él y Roger Waters se enfocaron mucho más en esos aspectos que Syd, que era mucho más sobre sus canciones y lo inglés y esas cosas.

De nuevo, ellos estaban haciendo algo muy diferente de los demás en esa época. Puedes escuchar electrónica ahí, y la influencia de la música clásica. Tiene un sonido muy repetitivo, sintético, y los riffs de bajo con el eco tienen un ritmo muy hipnótico que lo soporta. Básicamente nos robamos esa idea para una canción llamada Clean en Violator…

 

The Spirit of Talk Talk, fiesta de lanzamiento.

El jueves 6 de septiembre de 2012 se llevó a cabo la fiesta de lanzamiento del álbum doble The Spirit of Talk Talk, en Londres, en The Venue 229. Algunas de las bandas participantes en este tributo como TenFiveSixty y Turin Brakes tocaron en vivo algunos covers de los grandes éxitos de la banda inglesa Talk Talk. Este álbum contó con la dirección musical de Alan Wilder, quien asistió al evento de manera discreta, sin ser anunciado.
También se proyectaron algunas animaciones preparadas por James Marsh, el diseñador que ilustró muchas de las portadas de Talk Talk con temas basados en la naturaleza y el surrealismo, muchas veces impregnados de melancolía pero con una gran belleza.

Para este álbum, Alan participó con los covers a las canciones Inheritance y Dum Dum Girl, la primera con un video de Dmitry Semenov, quien dirigió anteriormente Allelujah del álbum subHuman.

Les dejamos un pequeño video de la presentación de TenFiveSixty con el cover de It’s My Life y unas fotos 😉

Entrevista con Alan Wilder para Sonoma Wire Works (Abril 2012)

Si tuviera que describir con una palabra la carrera de Alan Wilder, sería ‘temeraria’. Él no se compromete musicalmente con una sola fórmula, y se ha aventurado valientemente dentro de nuevos territorios sonoros donde sólo unos pocos se han atrevido a ir. Alan es un músico educado formalmente y fue miembro de varias bandas en su juventud, antes de unirse a Depeche Mode. Depeche Mode llegó a volverse una de las bandas más exitosas de todos los tiempos y ha influido enormemente en la escena musical electrónica y alternativa. Las contribuciones de Alan y su estilo único de producción fueron una parte importante del sonido particular de Depeche Mode. Después de una gira de 15 meses y en el tope de su popularidad, Alan tomó la difícil pero necesaria decisión de dejar la banda y dedicar más tiempo a su proyecto en solitario: Recoil, en 1995. Con un sonido completamente distinto al de su anterior banda, -o a cualquier otra cosa en ese sentido-, Alan ha usado a Recoil para explorar géneros musicales que van del trip-hop al gospel y cualquier estilo entre ellos. Al contrario de casi todas las bandas, que se adaptan a las exigencias de los sellos discográficos o el gusto del público en general, forzando su música al formato amigable de la radio, Recoil no se compromete a esto.

Las letras con temas oscuros, los interludios de palabras declamadas, y el uso de instrumentación no convencional son elementos clave del sonido de Recoil. La búsqueda incansable de Alan por la integridad musical ha influido a innumerables artistas y le ha ganado adeptos alrededor del mundo. Famoso por su selectividad en el sonido y el equipo con el que trabaja, estuvimos halagados de saber que estaba impresionado por nuestras bibliotecas de percusiones Discrete Drums.  Nos pusimos al corriente con Alan a través del correo y pudimos aprender un poco sobre cómo utiliza los samples, en lo que está trabajando en estos momentos, y cómo ve a la industria musical actualmente.

SWW: Escuchamos que estás trabajando en proyectos muy interesantes, ¿nos podrías dar algunos detalles?

AW: Sí. Aparte de una vida personal complicada, tengo dos proyectos musicales en progreso. El primero es un documental sobre una presentación en vivo, que se llama “A Strange Hour in Budapest”, que se lanzará en formato blu-ray. Me tomó mucho tiempo en la gira durante 2010 y 2011 donde “A Strange Hour” se presentó en 52 ciudades alrededor del mundo como parte de la gira “Selected Events”, para celebrar 25 años del proyecto Recoil. Uno de los momentos más memorables de la gira fue causado extrañamente por la adversidad. ¿Quién puede olvidar a Eyjafjallajökull, y la pesadilla logística que causó? En abril de 2010 el volcán islandés despertó y esparció sus cenizas, causando estragos en el mismo día que Recoil debía volar de Londres a Budapest. Después de una eterna pelea con aeropuertos, estaciones de tren, caos vial, llamadas telefónicas y confusión por todas partes, 12 horas después de salir de casa, mi equipo y yo nos encontramos de nuevo en la puerta de mi casa habiendo recorrido exactamente 0 kilómetros hacia la capital húngara.

El último recurso y única opción fue entonces ir en auto- en mi propio auto- a través del túnel bajo el canal de la Mancha y no menos de 7 países desde West Sussex al  Diesel Club en Budapest, una jornada de 21 horas sin detenerse. Se esparció el rumor, mientras otros cancelaban todo, que iríamos a pesar de todo y contra todo, y llegamos incluso con una hora libre, y lo que nos recibió fue uno de los públicos más ruidosos y agradecidos en toda la gira. Para no hacer la historia tan larga, queríamos regresar, no sólo para ver una hermosa ciudad pequeña, sino para tocar de nuevo frente al cálido público húngaro. La segunda presentación en Budapest y la última de 2012 se llevó a cabo en un auditorio recientemente renovado. Para celebrarlo, decidimos instalar un proyector y pantalla cinematográficos extra grandes. La pantalla medía 5 por 8 metros y cubría todo el escenario. La presentación fue filmada usando lo último en tecnología y definición para capturar el evento en toda su gloria. Para esto se contrató al equipo de Umatik, liderado por el director Attila ‘Atus’ Herkó, y de manera similar a las proyecciones usadas, se trabajó de forma remota en la edición, di mis opiniones a la edición preliminar que me envió Atus mientras Paul Kendall y yo trabajamos en la mezcla DTS surround sound, y todo se refinó desde ahí. Estará a la venta en la tienda oficial de Recoil www.store.recoil.co.uk  y en Alfa Matrix : www.alfamatrix.com

En segunda, he estado trabajando en un gran álbum tributo (y libro) sobre Talk Talk y Mark Hollis. Mi intervención empezó con una frase que se proveyó para el libro y fue de ahí rápidamente hacia la parte musical del proyecto, hasta el punto de que durante el último año he sido el productor ejecutivo, dando opiniones y consejo a muchos de los artistas participantes (33 en total) y a Toby, el líder del proyecto. También he contribuido con dos canciones como Recoil, con la ayuda de tres diferentes vocalistas incluyendo a Linton Kwesi Johnson, Sara Worden de My Brightest Diamond y Paul Marshall de Lone Wolf, mas un conjunto de músicos de soporte. Toby y yo no siempre vimos de cerca todas las contribuciones pero creo que hemos terminado con una colección impresionante de covers muy expresivos, hechos con cariño verdadero y respeto por la herencia musical de Talk Talk. Puede ser un gran reto tratar de hacerle justicia a alguna de la música más inspiradora que se haya producido. Uno de mis criterios al escuchar todos los covers fue tratar de escuchar desde el punto de vista de Mark Hollis e imaginarme si él disfrutaría lo que estaba escuchando. No tengo idea si él lo haría de verdad, por supuesto, pero para mí esto es un tributo merecido a un grupo extremadamente subvalorado, hecho con pocos compromisos sobre su potencial comercial. Mis favoritos son los que hicieron Thomas Feiner/Fyfe Dangerfield, Jack Northover, Joan As Policewoman, Nils Frahm/Peter Broderick y Zero 7, todos los cuales pensaron cuidadosamente sobre cómo reinterpretar las versiones originales de una manera nueva, fresca y excitante. Este es el enfoque que traté de lograr con mi propio trabajo en este proyecto. También soy un gran fan del cover de Lone Wolf para Wealth, que incluye la voz brillante de Paul Marshall. “Spirit of Talk Talk” se lanzará en Fierce Panda Records. (http://blog.recoil.co.uk/talk-talk-tribute-album-book-new-update/) y ambos proyectos están programados para salir al mercado a fines de Mayo, de modo que hay que mantenerse al tanto en el blog para todos los detalles.

SWW: ¿Cuál es tu equipamiento en tu estudio en este momento?

AW: Recientemente mejoré mi estudio gracias a una subasta que organicé el año pasado. Sentí que necesitaba compactar mi estudio The Thin Line. Mis necesidades se han modificado un poco ya que las computadoras portátiles, los soft synths y los plug-ins se han vuelto populares, y aunque estaba un poco atado emocionalmente, dejar ir algún equipo antiguo y cosas históricas parecieron una buena manera de empezar. Pude cambiarme a un ambiente perfecto que está muy cerca, pero no en mi casa. El único problema es que es muy frío en invierno! Estos días he tratado de trabajar más bien  “dentro de la caja” lo cual me ha dado el beneficio de mantenerme portátil. Uso un MacBook Pro corriendo la última versión de Logic a través de una unidad RME Fireplace (ya sin hardware para ProTools), con muchos instrumentos y plugs, como Native Instruments ‘Komplete’, ‘Damage’, Fab Filter, SPL y otros. Obviamente uso un montón de samples hechos por mí, de una biblioteca propia hecha con muchos álbumes, y he conservado algunos sintetizadores como un Midi-moog, un Obei y un viejo fiel EMS VCS3. Monitoreo con bocinas Dynaudio, y ahora sólo tengo que encontrar algo de tiempo para trabajar en mi propia música! Mi novia Britt acaba de tener a nuestra primera hija (y mi tercera propia) Clara Lake, así que te puedes imaginar que los días están muy ocupados aquí en Sussex.

SWW: ¿Cómo sientes que ha cambiado el sonido de Recoil con el paso del tiempo, y a dónde te gustaría llevarlo en el futuro?

AW: En el contexto sonoro, siempre he tratado de crear ambientes sonoros amplios y abiertos con detalle y profundidad. Este enfoque no ha cambiado en realidad. Supongo que lo que debo hacer es concentrarme más en lo que quiero, pero conservando siempre una mente abierta. He forjado buenas amistades con muchos colaboradores fuera y dentro del estudio y eso me ha colocado en una buena posición. En estos momentos me encuentro muy reacio a cooperar en el sentido de hacer las cosas como yo quiero, con poco o nulo compromiso. Me esfuerzo por la perfección (aunque pueda ser un pensamiento inútil) e insisto en el control de la calidad. La belleza está en los detalles, como dicen. Habiendo dicho eso, trato de trabajar con gente que creo que es talentosa y les doy espacio para contribuir con lo que sienten instintivamente, sin dirigirlos, mientras yo pueda al final decidir y editar esas actuaciones como crea convenientes.

SWW: ¿Cómo fue que llegaste a la producción musical? ¿Tienes a alguien que te haya guiado?

AW: Bueno, crecí en un ambiente de música, habiendo aprendido piano clásico desde muy pequeño, después de lo cual, a los 17 años, empecé a trabajar como operador de cintas en los estudios DJM de Londres. Desde entonces, sólo quise tocar en una banda o grabar en un estudio, de preferencia ambas cosas. Por suerte, ¡eso es lo que acabé haciendo! He aprendido de mucha gente con el tiempo, como de Daniel Miller, Gareth Jones, Flood, Paul Kendall y otros a lo largo del camino, pero no me describiría a mí mismo como particularmente técnico o experto en el área de la ingeniería. Soy muy bueno en la edición, viniendo de un ángulo musical, y creo que mis mejores talentos son generalmente en este departamento, como arreglista, orquestador y productor. En cuanto a métodos de grabación y mezcla, bueno, tiendo a buscar algo que me funcione y me atengo a ello.

SWW: No hace mucho, leí una carta que escribiste sobre el estado de la industria musical, los MP3, la compresión, el masterizado y el marketing musical. ¿Tu punto de vista ha cambiado en estos temas? ¿Crees que alguno de estos haya mejorado en estos últimos 4-5 años?

AW: ¿Mejorado? No estoy seguro. ¿Cambiado? Sí, las cosas han cambiado mucho desde que escribí esa pieza, hace cuatro años ya. Algunos para bien, tal vez. Tengo la firme opinión de que los sellos discográficos ahora se han vuelto facilitadores y que los artistas pueden, si quieren, manejarse, promoverse -hasta cierto punto- y distribuirse a sí mismos, con alguna ayuda de fuera. Los proyectos manejados por los artistas tienden más a ser sobre el aspecto musical y los deseos que lo acompañan.

Algunos, como Nine Inch Nails y Radiohead por ejemplo, han creado modelos nuevos e interesantes a seguir. En cuanto a formatos, los artistas más visionarios están proveyendo su trabajo en más formatos de mayor calidad, lo cual apoyo. Y creo que las técnicas de masterización están mejorando gradualmente -con muchas excepciones- donde no sólo es la guerra del volumen sino más bien el rango dinámico y la calidez. Es bueno ver que la popularidad del vinil está aumentando junto con las producciones de edición limitada en una variedad de formatos. Formatos físicos y tangibles para quienes no ven a la música como sólo un producto desechable.

SWW: Recientemente, has estado tocando con nuestra colección de loops de Discrete Drums, ¿qué te parecen?

AW: Muy bien, muy bien grabados, dinámicos y con muchas variables para crear cualquier cosa que el usuario necesite. Espero experimentar mucho más con ellos en el futuro.

SWW: ¿Crees que estos sonidos de Discrete Drums puedan llegar a usarse para tus demos o producciones finales?

AW: Sí- puedes escuchar algunos de ellos en un remix que acabo de hacer para Sonoio, llamado “Minutes”. Es el proyecto de Alessandro Cortini, que fue miembro de Nine Inch Nails. Esta versión está disponible en descarga gratuita en el formato que prefieran: mp3, Apple lossless, FLAC, o WAV. Se encuentra en www.sonoio.org.

SWW: ¿Dónde pueden los lectores saber más de ti, Recoil y otros proyectos?

AW: Recoil tiene una presencia extensa en la red:

www.blog.recoil.co.uk
www.facebook.recoil.co.uk
www.recoil.co.uk
www.twitter.com/recoilofficial
www.store.recoil.co.uk
Mute Bank Mail Order : www.mutebank.co.uk
Más informes : shunt@recoil.co.uk

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